Foto: Armando Fontes

Este texto foi escrito de coração há alguns anos atrás. De tempos em tempos ele é atualizado.
Até o N Design 2010 em Curitiba! ;)

1- Você exercita sua profissão
2- Você assiste palestras muitos boas
3- Você assiste palestras muito ruins
4- Você pode escolher uma oficina de um ou mais dias pra aprender uma coisa nova
5- Você conversa sobre design o tempo todo
6- Você faz amigos e inimigos em vários estados
7- Você aprende sobre a vida em outros estados
8- Você vai beber o lendário Mussolini
9- Você conhece designers muito bons
10- Você pode conversar com um ídolo
11- Você vê que existe vida fora da faculdade
12- Você ri 24 horas por dia
13- Você vai tirar fotos absurdas
14- Você vai lembrar da viagem pra sempre
15- Você bebe com velhos e novos amigos
16- Você passeia sozinho pela cidade descobrindo coisas
17- Você pode se hospedar no pior hotel da sua vida e achar muito bom
18- Você conhece homens/ mulheres muito interessantes
19- Você junta um monte de lembranças da cidade
20- O kit do evento sempre é legal, mesmo quando é ruim
21- Você pode ficar amigo dos organizadores do evento
22- Você pode ganhar um namoro à distância
23- Tem a repentina
24- Tem as festas
25- Você pode boicotar a festa e fazer uma clandestina no alojamento
26- Tem o design de buteco
27- Você pode aumentar o seu sketchbook
28- Você pode espalhar seus adesivos e seus buttons
29- Você reencontra as pessoas que conheceu ano passado
30- Quase sempre as festas são temáticas
31- Você sai da oficina com vontade de fazer coisas
32- Tem o Stevenson vendendo livros e te deixando mais pobre
33- Mesmo quando não tem razões, você quer ir
34- Não tô brincando, é muito bom
35- Não é coisa de nerd
36- Às vezes é coisa de nerd
37- Não é da UNE
38- Você vê a organização se matando de estresse e fica tranquilo
39- Sempre tem alguma gincana ou campeonato estranho
40- Sempre tem um grupo de pessoas contando histórias bizarras
41- Você é convidado para beber com estranhos
42- Pessoas que você acabou de conhecer passam a fazer parte da sua vida
43- Você conhece pessoas que vão fazer a diferença no futuro
44- Você fica com vontade de fazer a diferença no futuro
45- E por isso você se dedica mais
46- Você vai pra casa questionando muitas coisas
47- Você percebe defeitos na sua faculdade que antes não via
48- Muitos mitos caem
49- Muito mitos nascem
50- Você dança músicas horríveis
51- Tem coreografia nas festas
52- Você aprende a dar valor às coisas novas
53- Você aprende o valor da pesquisa e do embasamento
54- Não é coisa de desocupado
55- Você quer ir a todos os eventos pra ver “se eles organizaram direito”
56- Quando volta, você pode xingar muito seus amigos no Twitter
57- Você pode fazer inveja em quem não foi
58- Você pode comprar um monte de coisas legais
59- Você pode visitar “lugares estranhos” da cidade
60- Depois do evento você troca 3 mil fotos com 2 mil pessoas
61- Não deixam você dormir no alojamento
62- Você vai pra oficina morrendo de sono e acha bom
63- Você incorpora gírias de outros estados no seu dia-a-dia, do tipo “Tri-irado, sô”
64- Tem a camiseta do evento
65- Tem o crachá que sempre tentam amassar
66- Você encapa seu crachá com os adesivos que vai ganhando
67- Você anda cheio de buttons
68- Você sempre discute a filosofia de uma coisa aleatória
69- Você pode tentar roubar um banner do evento
70- Você pode expor um projeto seu
71- Você pode vender coisas no bazar
72- Algum palestrante sempre distribui ou sorteia pôsteres e livros.
73- Você se entende um pouco melhor
74- Você tem um tempo pra pensar sobre seu futuro
75- O evento te ajuda a decidir que direção tomar
76- Você aprende que design tem muito mais possibilidades do que você pensava
77- Você pode espalhar boatos
78- Tem a plenária final
79- No penúltimo dia, você começa a ficar triste
80- No último dia você pega e-mails e msn de todo mundo
81- Sempre tem uma oficina que tem a ver com você
82- Sempre tem uma atividade relacionada à cultura local
83- Comidas diferentes são ótimas
84- O sotaque das pessoas é atraente mesmo quando é irritante
85- Sempre tem alguém que pensa do mesmo jeito que você
86- Argentina eliminada
87- Você pode ser adotado por uma delegação de outra cidade
88- Se estiver frio, você deita no gramado pra pegar sol
89- Se estiver quente, você deita embaixo das árvores
90- Fazines sempre começam a circular
91- Você pode colaborar com eles
92- Você vê um monte de estudantes de design circulando pela rua
93- Você vê os ônibus das delegações chegando
94- Você fica eufórico quando chega lá após horas de viagem
95- No terceiro dia você já conhece todo mundo e já se sente morador do evento
96- Você analisa todo e qualquer produto gráfico local, como placas, outdoors e fachadas
97- Você vai sair de lá querendo organizar o próximo
98- Você descobre que o designer pode ser muito mais chato do que parece
99- Mas gosta assim mesmo
100- Design é a sua vida
101- você junta tudo isso e descobre o que é importante; descobre seus valores. Talvez mude sua forma de pensar, talvez não, mas alguma coisa nova vai entrar na sua lista de reflexões. Talvez você descubra que ir ao evento não lhe é útil de forma alguma; e isso vai ser vital. O importante mesmo é conhecer para falar sobre, testar antes de concluir e se manter criativo. E é justamente por isso que você adora ou vai adorar ir ao encontro.

Para saber mais sobre os próximos eventos:
www.agendaT.com.br

De vez em quando alguém me pergunta sobre o uso do lápis azul que sempre aparece em desenhos publicados nos livros sobre animações e nos blogs de artistas. Eu nem imaginava o quanto essa dúvida era corriqueira, e imaginava menos ainda que poderia render uma resposta interessante.

Para algumas pessoas a razão era apenas estética: deixar o desenho mais estiloso, com sensação de despreocupadamente profissional. A ideia não está totalmente errada, mas tem mais coisa aí.

James Jean

Começando por uma razão mais prática então: o lápis azul não suja tanto o papel quanto o grafite tradicional, e um esboço em azul é visto com mais clareza. Se usado em conjunto com outra cor (vermelho, por exemplo), ele dá uma ótima sobreposição, sendo possível entender as diferentes camadas de traço na hora da arte-final. Se tivermos um estudo onde cada elemento foi feito separadamente em azul, vermelho, grafite e nanquim, podemos entender com muito mais precisão cada pedaço do desenho. Assim ele pode ser muito mais facilmente vetorizado, pintado ou arte-finalizado a nanquim.

Quando falo em pintura ou arte-final, vale tanto pro processo tradicional quanto para o digital.

Joshua Middetown

Originalmente o lápis azul tinha uma outra razão primária nos quadrinhos e na animação. Um azul em especial, chamado de non-photo blue (“azul não fotográfico”, ou “não fotografável” ou ainda “não reproduzível” – mas vamos manter o nome em inglês) não era reproduzido pelos equipamentos antigos. Um artista poderia desenhar uma página em azul e fazer a arte-final a nanquim. Quando essa página era reproduzida pelas fotocopiadoras, as linhas azuis desapareciam. Atualmente os scanners captam (mal, mas conseguem) esses azuis, mas os traços que ficam podem ser facilmente separados do preto nos softwares gráficos. Sendo assim, sua função original permanece basicamente a mesma.

Exatamente como acontece com qualquer outro lápis, existem muitos tipos diferentes de lápis azuis e suas tonalidades e nomes variam de acordo com o fabricante. Os non-photo blue são identificados comercialmente por esse nome mesmo, mas podem ser difíceis de se encontrar no Brasil. Nesse caso, aqui vai uma análise rápida de alguns modelos fáceis de se achar. Acontece que o pigmento influencia no comportamento do grafite colorido. Isso quer dizer que na mesma caixa de lápis, o azul pode ter dureza diferente do vermelho. Mostramos eles aqui da maneira que saem em um scanner caseiro comum com configuração básica, sem alterações. Os aquareláveis tendem a ser mais pastosos na consistência.

Então, por exemplo:

Estes são mais duros:
Faber-Castell Polychromos Middle Phthalo Blue
Austria Marino Light Blue
Lyra Rembrandt-Polycolor Sky Blue
Austria Arnabelli Mountain Blue

Estes são mais pastosos:
Faber-Castell Albrecht Dürer Dark Phthalo Blue
Faber-Castell Polychromos Middle Azure Blue
Caran D’Ache Supracolor soft
Caran D’Ache Pablo bleu paste

O Pilot Color Eno Soft Blue 0.7 tem um tom azul esverdeado que aparentemente se aproxima muito do non-photo blue e tem a praticidade de ser um grafite para lapiseira.

Agora mais uma razão que talvez seja uma das mais legais, mas é de caráter pessoal do artista: o lápis azul cria texturas e volumes diferentes do grafite e trabalha muito bem em conjunto.  Não torna o seu desenho colorido demais e ao mesmo tempo ressalta as qualidades do grafite. O desenho adquire uma plasticidade diferente e muito agradável.

Resumindo, fica bonito.

Dave Malan

Agora, como escolher? Como funciona isso na prática?

Se você quer usar o lápis azul pelas características artísticas mencionadas, apenas escolha um azul qualquer da sua preferência.

Se você faz questão absoluta que ele saia apagado em seus scans, procure importar o Non-Photo.

Se você quer um pouco de cada e não se importa em ter que trabalhar um pouco no Photoshop para apagar algumas linhas, use um grafite ou lápis comuns que se aproximem do Non-photo, como o soft blue citado.

Barry Windsor-Smith

E vamos fechar com Barry-Windsor Smith, um incrível artista dos quadrinhos que é famoso pelo uso do lápis azul com grafite. Em seu livro de 1999, OPUS, há um trecho sobre o assunto. O gerente do estúdio de Barry-Windor respondeu uma dúvida enviada por e-mail justamente sobre a questão:

“Eu sempre me perguntei por que muitos dos desenhos do Sr. Windsor-Smith são feitos em lápis azul e grafite, e às vezes em lápis azul e nanquim. Eu vi que esses desenhos frequentemente parecem conter um “algo a mais” do que aqueles impressos apenas em preto e branco. É só imaginação? Isso é algo do qual BWS está consciente e faz de propósito?”
[e-mail original. Usado com permissão]

Caro Klaus,

Aqui é Alex Bialy, gerente do Windsor-Smith Studio. Obrigado pelo seu e-mail tão ponderado. Vou responder à pergunta o melhor que puder, talvez até mais do que você tenha pedido.

A original e mundana razão pela qual muitos dos desenhos de Barry são em lápis azul com grafite ou nanquim tem origem em seu trabalho nos quadrinhos. O processo de reprodução envolve fotografar a arte em nanquim para se fazer as chapas de impressão. O processo não “vê” certos nuances de azul, comumente conhecidos por essa razão, como “non-photo blue”. No início Barry usava o lápis azul como ferramenta de esboço apenas em seu trabalho de quadrinhos. Mas ele mais tarde desenvolveu um elo visceral entre os estágios de esboço e os posteriores estágios de refinamento com grafite ou nanquim, e começou a transpor isto para seus outros trabalhos também. Nessa época as linhas azuis de esboço eram frequentemente deixadas no trabalho como uma importante parte do conjunto artístico.
Quando eu vim trabalhar com Barry como assistente e arte-finalista, percebi, assim como você, que os originais intocados com o desenho em azul tinham um certo apelo que me fazia especular sobre a sua razão de ser. Minha experiência antes de trabalhar em quadrinhos foi com engenharia e química do estado sólido, particularmente os vários tipos de análise envolvendo ondas de luz, feixes de elétrons e raios-x. Comecei a me perguntar se diferentes comprimentos de onda refletidos pelos trabalhos de azul e preto de BWS eram resultado de algum tipo de interferência harmônica, similar à maneira com que duas ou mais notas musicais, quando tocadas junto, podem criar notas adicionais que na verdade não estão sendo tocadas. Imaginei que isso poderia contar para a vibração extra dos originais com o azul intocado. Também notei que, em um show de rock, por exemplo, áreas iluminadas por um comprimento de onda de luz azul mais curto apareciam mais claramente e visíveis em mais detalhes do que áreas iluminadas pelo luz vermelha, que tem comprimento de onda mais longo.
Outra coisa que eu pensei sobre o efeito do preto/azul é que isso tem a ver com a maneira com a qual o cérebro processa os estímulos visuais. Com ambas as versões azul e preta em uma página, talvez o cérebro as perceba independente tão bem quanto coletivamente, e isso regula uma “tensão” perceptiva de baixa frequência no cérebro entre as duas imagens, resultando no “algo a mais” ou o que quer que seja.

Aposto que você não esperava uma resposta tão longa para sua inocente pergunta, mas eu tenho que dizer que a contemplação de um fenômeno desse tipo é uma das coisas às quais você é direcionado quando está em um ambiente artístico (o que não significa que a engenharia não tenha seus atributos artísticos) e  que fazem isso tudo muito mais interessante.

Sinceramente,

Alex Bialy – Windsor-Smith Studio”
.

Recentemente tentamos fazer aqui uma atividade chamada Faça Igual ou Faça Melhor. Era uma brincadeira onde o desafio era reinterpretar obras de grandes mestres da arte. Não deu certo e agora eu tenho uma desculpa para o fracasso: a banda Hold Your Horses e a produtora L’Ogre fizeram isso com todas as pinturas de uma vez. Não sobrou nada pra gente.

“Essa é sem dúvida a melhor capa de revista em quadrinhos que eu vi nos últimos tempos, talvez no ano inteiro: THE SPIRIT nº 29, da DC Comics, desenhada por Paul Rivoche. É uma aula de tudo que uma capa deveria ser, e eu vou usá-la como exemplo de “como fazer certo” pelo resto da minha vida. Vamos dar uma olhada:

1) É mais do que uma simples imagem; ela conta uma história. Seus olhos vão primeiro direto ao Spirit, depois à garota, depois ao fato de que cada um deles está olhando para seu relógio, e a linguagem corporal deixa claro que um está esperando o outro. E então seus olhos descem até onde a bomba está colocada. Depois você vê o horário na bomba. Depois seus olhos vagueiam de volta para cima até o relógio digital e você nota que falta 1 minuto para a explosão. Meu deus, essa capa implora que você abra a revista para descobrir o que vai acontecer.

2) Ela está perfeitamente colorida. PER-FEI-TA-MEN-TE. Os olhos imediatamente vão até o Spirit, o personagem central da revista, em seu azul encorpado. A visão naturalmente cai para a esquerda, encontrando a mulher em suas cores brilhantes porém secundárias. Depois os olhos descem até o vermelho vivo da bomba. E as mangas do vilão são coloridas espetacularmente-aparecendo apenas o suficiente para serem visíveis, não se perdendo em meio ao cinza da plataforma do trem e não se destacando antes que você veja a bomba ou perca seu foco. Os 2 elementos mais importantes da ilustração – o herói e a bomba – são os elementos que se destacam mais claramente, como deveria ser. O logo tem sua cor precisamente retirada de outras cores na ilustração, e ainda assim é perfeitamente legível. Se alguém tivesse feito esse logo, digamos, vermelho vivo, eu teria que bater nessa pessoa. Isso teria arruinado o balanço da capa toda. Da mesma maneira, se os braços do vilão fossem gritantes para chamar atenção, eles brigariam para serem vistos primeiro e teriam estragado a composição.

3) O desenho em si tem a precisão de um ônibus espacial. Tudo aponta em direção às duas figuras principais. Tudo. Os papéis voando. Os braços do vilão. O trem. Os trilhos na parte de cima. O relógio digital, meu deus. A LÂMPADA EM CIMA DO SPIRIT. E ainda assim nenhum desses elementos atrapalha ou chama muita atenção para si mesmo.

Eu tenho sido, como todas as pessoas espertas, fã do trabalho do Paul por muito tempo, mas esse é um gol da harmonia. Jovens ilustradores, jovens editores, quando em dúvida, façam isso. Isso é uma capa. Eu vou usá-la como objeto de ensino de agora em diante.”

Ou seja: faça igual ou faça melhor. ;)

Então você acha que está desenhando muito né? Já sabe tudo de composição. Dominou o chiaroscuro. Masterizou a narrativa gráfica. Subjugou a aquarela, o óleo e o pastel. Mesmerizou o próprio Photoshop. Foi convidado para redesenhar o logo das Olimpíadas de São Paulo pelo ursinho de Moscou em pessoa?? Jogou a luz renascentista sobre o capô do seu carro e gritou “FICA CALMINHA, VAGABUNDA!!”?

Ok, minha cara última esperança da arte na Terra, a proposta é a seguinte:

1- Nós apresentamos um tema bem simples e falamos: “Faça igual ou faça melhor!”
2- Você aceita, afinal você não tem medinho!
3- Você manda o seu trabalho pra gente
4- A vitória é sua

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Aula 1: Anatomia com o Dr. Tulp

Ai, delícia de incisão!

Nicolaes Tulp foi um médico nascido em Amsterdã em 1593, eternizado na obra A Lição de Anatomia do Dr. Tulp, que Rembrandt Harmenszoon van Rijn pintou aos 26 anos de idade ( 1632, óleo em tela, 169,5 x 216,5 cm).
Um cadáver, um professor sangue-frio e 7 distintos cavalheiros. Muito simples, muito simples.

FAÇA IGUAL OU FAÇA MELHOR!

E lembre-se: o Dr.Tulp foi o primeiro médico a descrever clinicamente o beribéri, por isso não desonre sua memória!

* Essa seção será atualizada a cada 3 semanas. Ou seja, vocês tem 21 dias para fazer sua versão da Aula de Anatomia. Todos os desafios vão continuar valendo pra sempre, mas é bem mais legal mandar dentro desse prazo. Isso se você quiser, claro. Ninguém disse que você está com medinho.

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Com a colaboração de Fell Martins.

Crianças em vários países do mundo (Brasil não incluído) cresceram lendo Where The Wild Things Are e muitos outros livros do ilustrador e escritor Maurice Sendak. Pois bem, hoje o sr. Sendak faz 81 anos, e para comemorar, o também ilustrador Cory Godbey criou o blog Terrible Yellow Eyes, onde vários artistas colaboraram com trabalhos em homenagem à obra mais famosa do aniversariante.

Lá no meio encontramos muita gente, como o espetacular Barnaby Ward,…

…e um cara que desenha tomando banho e comendo, Pascal Campion; além do próprio Cory Godbey.

Com o filme do Spike Jonze a caminho, o livro deve ser lançado por aqui.

Feliz Aniversário, Mr. Sendak! =)

Esse é o blog de Bruno Porto e Billy Bacon, que se mudaram pra China em 2006 para dar aula no curso de design do Raffles Institute de Xangai. Agora Billy está de volta ao Rio, mas Bruno continua lá; atualizando ativamente seu conteúdo com textos muito divertidos sobre a vida e a cultura na China. Além de ser obcecado por encontrar a estrela do Botafogo em toda esquina, ele mantém alguns temas fixos como “A bizarrice tipográfica da semana”, “Coma-se com um barulho desses”, DVDs pirateados a rodo, e os laptops e roupas bizarras das alunas do Raffles. 

Abraços!

O mais legal de todos mostrava uma carta do sr. Joaquim L. de Barros Cabral, catedrático da Academia Imperial de Belas Artes, endereçada ao seu amigo João Maximiano Mafra, professor e secretário da Academia. Mafra deveria repassar as observações de Cabral ao jovem aluno Victor, que curtia um estágio de arte em Paris e havia sido encarregado de executar a obra.

Fui lá ver o quadro e fotografei o manuscrito porque eu precisava ter em casa esse exemplo de primórdios da direção de arte no Brasil, e o negócio é feio.

A carta começa com o tal do Cabral muito malandro dizendo que procurou o Mafra várias vezes e tal, mas não o encontrou (estilo “mas eu te mandei um e-mail”). Outros trechos da carta são facilmente reconhecíveis na vida dos designers e publicitários atuais.

Dá pra imaginar o Victor Meirelles no estúdio partindo seus pincéis ao meio:

Victor, tá lindo! Mas tem que refazer.

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copia

Amigo e Sr. Mafra

Em conçequencia do seu aviso vocal, tenho conparecido na Acádemia por divérças vezes porem com tál infelicidade que inda não me pude reunir com os meos collegas da secção de Pintura, talves por fálta de serem elles avizádos official=mente para um dia e óra marcada,

Vi o esboço do Sr Victor de Meireles, e o acho bom porem como tenho de imitir o mêo parecer, porisso o faço agóra.

Em primeiro lugar acho que o altar onde se selebra a Missa deve ser cobérto com panos de navio ou barraca para impedir que esteija assim esposto o Calix, pos é costume em campo aberto celebrar-se missa em uma tenda, cuja frente seja aberta nos espectadores

Em, segundo, a cor dos indios é muito vermelha e nada se açemelha a raça do Norte, a qual tem uma cor mais amarelada escura,

Em terceiro, deve aver só um indio com cocár porque é este o sinagl do Cheffe da tribu ou Caçique,

Em quarto, deve sacrificár o primeiro plano em escuro para tirar a igualdade de lus que iziste e esta dár melhor a Vegetação Brasilleira bem como mostrar no fundo um poco de már com alguns galeoens fundiados para melhór dár a idéa do açunpto

São estas as minhas fracas obçervaçoens que tenho a imitir, o que faço fasço para que leve ao conhecimento do Artista

Aqui fico ao seo dispor Como

Amigo obrigado

Cabral

Passa fora!

nota do copista

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Victor Meirelles recebeu até material de referência, que foi uma pintura de Horace Vernet, “A Primeira Missa em Kabylie”. A diferença interessante é que Vernet esteve no local, e não só foi o retratista como também montou o altar e o restante da cenografia. Meirelles foi criticado por ter feito uma interpretação imaginativa demais daquilo que realmente aconteceu em 1500. Já discutiram muito sobre a semelhança entre as duas obras, mas o livro “Como Estudar a Arte Brasileira do Século XIX?”, de Jorge Coli, tem uma análise com mais contexto. O pintor brasileiro (e catarinense) só fez o que mandava o briefing de Porto-Alegre: seguir fielmente o texto do Caminha.

Resumo da história: o diretor de arte não ia com a cara do dupla do Victor e sobrou pro Mafra, como está explicado aqui.

Mafra, resolve essa pra mim!

Ilustração: Victor Meirelles
Direção de arte: Joaquim L. de Barros Cabral
Criação: Manuel de Araújo Porto-Alegre e João Maximiano Mafra
Redação: Pero Vaz de Caminha

E esse foi meu primeiro post. Obrigado, Donas da Panela, é uma diversão estar aqui e eu gosto mais de batata e gosto mais da IdeaFixa também!

-Renato